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While the field of art education is slowly but surely feminizing, the specificity of women's trajectories and their effects on transmission and creation are at the crossroads of several fields and open up a plurality of questions. What does a woman's career look like, how are institutions modified by the arrival of women? How are hierarchies rethought, is the field of reference of students evolving, what do the new methods developed allow? The articles gathered in this volume highlight individual trajectories and broader debates taking place in art schools, all tracing the evolutions that the teaching by women artists reveals, prepares or accomplishes in the field of contemporary creation.

Tandis que le champ de l’enseignement de l’art se féminise, lentement mais sûrement, la spécificité des trajectoires féminines et de leurs effets sur la transmission et la création se trouvent au carrefour de plusieurs champs et ouvrent une pluralité de questionnements. A quoi ressemble une carrière féminine, de quelle manière les institutions sont-elles modifiées par l’arrivée des femmes ? Comment les hiérarchies sont-elles repensées, le champ référentiel des élèves évolue-t-il, que permettent les nouvelles méthodes développées ? Les articles réunis mettent en lumière des trajectoires individuelles tout en retraçant plus largement les luttes dont les écoles sont le théâtre et les évolutions que l’enseignement par des artistes femmes révèle, prépare ou accomplit dans le champ de la création contemporaine.

Ce livre est le fruit des six années de recherche du programme ACA-RES sur Les académies d’art et leurs réseaux dans la France préindustrielle. Il explore le rôle des provinces dans l’élaboration d’une pratique moderne de l’art, entre apprentissage des règles du goût et réponse aux réalités sociales et culturelles des territoires. Il fait sortir de l’ombre artistes, amateurs, dessinateurs des manufactures, entrepreneurs, marchands, notables des villes qui, loin d’être tournés vers des cercles fermés, apparaissent en relation permanente avec le monde. Ainsi est-ce donc une histoire inédite des circulations des modèles artistiques qui se dessine ici, comme des multiples acteurs de l’art agissant pour sa révolution.

This conference volume examines the evidence, religious experiences and aesthetic transformations of sacred space in the Age of Enlightenment from an inter- and transdisciplinary perspective. To what extent should we understand the church in the 18th century not only as a sacred space, but also as a place that attracts believers and tourists, clergy and artists, nobles and citizens, men and women alike, and at the same time has a social, aesthetic and emotional dimension? How can we explain the fundamental secularisation and the dissolution of boundaries that affected the sacred space between the death of Louis XIV and the French Revolution? How is the question of the credibility of transcendence dealt with in the age of the emerging natural sciences, encyclopaedias and the progress of knowledge in art? Against the background of the confrontation between criticism of the church and absolutism, atheism, demystification of the religious and plausible reactualisation of the spiritual, (syn)aesthetic concepts of sacred spaces are of particular relevance. Not only integrated into art-theoretical discourses, they are a tangible expression of the continuous readjustment of Enlightenment society.

There is no doubt that in few European countries has the monument as a medium of memory culture been so acutely and virulently negotiated as in Germany and Austria after 1945. The debates range from the indispensable remembrance of the Shoah to questions about the use of National Socialist and Stalinist remains to the most recent reconstruction projects and are an expression of our ethical as well as political relationship to history. So what do monuments, their design, re-erection or destruction say and how do they shape our future? With the help of various case studies, this conference volume searches for a contemporary concept of monuments beyond its national roots.

Il existe peu de pays en Europe où la question du monument comme medium de la mémoire historique se soit posée de manière aussi aiguë et virulente qu’en Allemagne et en Autriche après 1945. Expressions de notre rapport éthique et politique à l’histoire, les débats interrogent la nécessité de la mémoire de la Shoah, l’usage possible des résidus encombrants du national-socialisme et du stalinisme ou encore de récents projets de reconstruction. Qu’est-ce qu’un monument « dit » ou « ne dit pas », et en quoi sa création, sa modification ou sa destruction engagent-elles notre avenir ? Les études de cas allemands et autrichiens rassemblées ici tentent une définition actuelle du monument, au-delà de son enracinement national.

The history of art in the Ancien Régime has mainly focused on the major players, the "Fine Arts", the best documented institutions, Paris, other capitals and the courts. This book invites us to go beyond this "top-down" history, by bringing together the analytical frameworks of art history with approaches from social history, anthropology, material and visual culture, the history of science and technology, the sociology of networks, and gender studies. Revisiting historiographical frameworks, challenging academic canons and norms, questioning the margins, decentering the gaze, in a word "stepping out of line" - this is the methodological and thematic thread. Deployed around a wide range of media, genres, and objects, the eighteen contributions gathered in this volume seek to grasp the visual and material culture of the period in all its richness and complexity.

L’histoire de l’art de l’Ancien Régime s’est principalement focalisée sur les grands acteurs, les « beaux-arts », les institutions les mieux documentées, Paris, d’autres capitales et les cours. Le présent ouvrage invite à dépasser cette histoire « par le haut », en faisant dialoguer les cadres analytiques de l’histoire de l’art avec les approches de l’histoire sociale, de l’anthropologie, de la culture matérielle et visuelle, de l’histoire des sciences et des techniques, de la sociologie des réseaux et des études de genre. Revisiter les cadres historiographiques, défier les canons et les normes académiques, interroger les marges, décentrer le regard, en un mot « sortir du rang » – tel en est le fil conducteur méthodologique et thématique. Déployées autour d’un large éventail de médias, de genres, d’objets, les dix-huit contributions réunies dans ce volume s’attachent à saisir la culture visuelle et matérielle de l’époque dans sa richesse et sa complexité.

This study examines the reception of architecture in travel descriptions of three German-speaking architects on Paris and Versailles around 1700: Christoph Pitzler, Lambert Friedrich Corfey and Leonhard Christoph Sturm. For this purpose, a new quantitative-qualitative method was applied in art historical source analysis, which focuses on the identification of the contents mentioned, the architects' approach to the description and the sources used for it. The extensive data collection and interpretation provide numerous new results on the reception of architecture in the parts of France that have hardly been studied so far, as well as on the genesis of the travelogues.

Cette étude examine la réception de l'architecture dans les descriptions de voyage de trois architectes germanophones sur Paris et Versailles autour de 1700 : Christoph Pitzler, Lambert Friedrich Corfey et Leonhard Christoph Sturm. À cette fin, une méthode quantitative-qualitative, nouvelle dans l'analyse des sources de l'histoire de l'art, a été appliquée, qui se concentre sur la détermination des contenus mentionnés, l'approche des architectes à la description et les sources utilisées pour celle-ci. La collecte et l'interprétation approfondies des données fournissent de nombreux résultats nouveaux sur la réception de l'architecture dans les sections françaises qui n'ont guère été abordées jusqu'à présent, ainsi que sur la genèse des carnets de voyage.

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Art and Politics between Germany and France from the interwar period to 1945. Sixteen case studies on the actors of the artmarket; an original view of networks, of the artists‘ careers and collections, of  transnational relationships between Arts and Politics in the XXth century.

Qui sont les acteurs du marché de l’art entre la France et l’Allemagne ? Quelle lecture politique peut-on faire de l’histoire des collections ? Alors que le début des années 1920 témoigne, après la rupture de la guerre, d’une reprise dynamique des échanges entre les deux États, ces derniers furent modifiés par l’instauration du nazisme à partir de 1933, puis l’Occupation de la France. À partir d’études de cas concernant des institutions culturelles, des réseaux marchands, ainsi que des parcours et collections d’artistes, les 15 contributions de cet ouvrage se consacrent aux réseaux transnationaux du marché de l’art de l’Entre-deux-guerres aux années suivant la Libération. Elles donnent à voir les enjeux et les implications politiques des transactions commerciales relatives aux œuvres d’art, mettant en lumière la complexité des rapports, encore largement inédits à ce jour, entre arts et politiques.

Wilhelm Uhde was a dilettante in the best sense of the word, as an art dealer, as an art historian and as a collector. Before the First World War, he had rendered outstanding services to the Parisian avant-garde, then concentrated primarily on promoting so-called Naive painting. He lived in Paris from 1904, with interruptions due to the World Wars. The book publishes letters to dealers and friends and thus traces the situation of a deeply convinced European, living between nations, who was deprived of his citizenship by the National Socialists. After the Second World War, he had only two years left, and now abstract painting also came into his focus.

Wilhelm Uhde était un dilettante dans le meilleur sens du terme : en tant que marchand d'art, historien de l'art et collectionneur. Avant la Première Guerre mondiale, il avait rendu des services exceptionnels à l'avant-garde parisienne. Entre-deux-guerres, il s'est concentré sur la promotion de la peinture dite naïve. Il vit à Paris à partir de 1904, avec des interruptions dues aux guerres mondiales. Le livre publie ses correspondances avec des collectionneurs, des amis. Il retrace par la même occasion le parcours d'un Européen convaincu, vivant entre les nations, déchu de sa citoyenneté allemande par les nationaux-socialistes. Après la Seconde Guerre mondiale, il ne reste à Uhde plus que deux ans à vivre ; la peinture abstraite arrive alors au cœur de ses préoccupations.

Daniel Spoerri's oeuvre occupies the intersection of several artistic trends and tendencies. Most commentators on his work, on the other hand, considered him a New Realist artist, and his work is often reduced to that of the trap paintings. This abbreviation, consolidated by art historiography and largely formed by the classificatory efforts of Pierre Restany, corresponds, however, to only a small part of his oeuvre. Spoerri's films, his poetry, his books, the MAT editions, his importance as an organiser of events and exhibitions are examples of the diversity and openness of his activities. In the 1960s he was close to Fluxus and Zero and laid the foundation for Eat Art. Understanding the artist's work as part of transnational networks that combine different disciplines and theoretical and material approaches suggests a re-evaluation of Spoerri's interactions with a wide range of contemporary actors. This book explores these questions as the proceedings of the colloquium "Topographies of Daniel Spoerri: the artist in his networks" organised by Jill Carrick and Déborah Laks at DFK Paris on 22 and 23 October 2018.

Le travail de Daniel Spoerri se situe au croisement de plusieurs courants et tendances artistiques. Pour la plupart des commentateurs, il est pourtant généralement abordé comme un artiste du Nouveau Réalisme, et son œuvre antonnée au Tableau-Piège. Cette place délimitée, forgée par une historiographie largement marquée par les efforts classificateurs de Pierre Restany, ne correspond en réalité qu’à une petite partie de son travail. Ses films, sa poésie, ses livres, les éditions MAT, ses activités d’organisateur d’évènements et d’expositions sont autant d’exemples de la diversité et de l’ouverture de ses champs de recherche. Dans les années 1960, il se rapproche de Fluxus et de Zero et pose les fondements du Eat Art. Son œuvre s’inscrit dans des réseaux transnationaux mêlant des disciplines, des approches théoriques et matérielles différentes, et il importe aujourd’hui de réévaluer ses interactions avec les différents acteurs de la période. Cet ouvrage constitue les actes du colloque « Topographies de Daniel Spoerri : l’artiste en ses réseaux » organisé au DFK Paris par Jill Carrick et Déborah Laks les 22 et 23 octobre 2018.

With the editorial participation of Sara Alonso Gómez, François Aubart, Juliette Bessette, Marie-Laure Delaporte, Claus Gunti, Caroline Marié, Julie Martin and Marie Vicet.
https://newmedia.dfk-paris.org/
Research in art history on the relations between the arts and new media interrogates not only the wealth of experimental forms but also issues of resistance to visual hegemony – from the debut of cinema to virtual reality devices, and by way of video art and cybernetic art.
This publication distances itself from the mythology of new media as a symbol of modernity, seeking to grasp these issues through artistic practices. Far from the technological determinism that has contributed to structuring the field, it approaches media and techniques as tools for investigating art and culture. Twenty-four scholarly and artistic contributions offer an extensive mapping of the most recent research, reconfiguring our understanding of museum practices, of the role of technology, and of the artistic object and the experience of audiences. 

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This book collects the reflections and discussions generated at the DFK Paris in the context of the annual theme 2016/17 “Art in France in a Transcultural Context”. The intense exchange between this year’s researchers expanded beyond their individual projects and questioned Eurocentrism, analyzed specific forms of hegemony and demonstrated the consequences of colonial history. By exploring different case studies in African, American, Asian, European, and Oceanian contexts, it could be shown how artistic and intellectual creation and engagement inscribe themselves into the mobilities of globalism. Reflecting on the interdependencies between the repositionings described and art history, the need to acknowledge in art historical analysis the cross-paths, the disorientations, the fragmentary, and the uprooted – here and now, here and elsewhere – becomes clear.

Cet ouvrage rassemble la somme des réflexions et discussions menée au DFK Paris dans le cadre du sujet annuel de 2016/17 « Les arts en France à la croisée des cultures ». Avec leur échange intensif, les chercheurs ont pu renforcer le questionnement de l’eurocentrisme ainsi que démontrer et analyser les différentes formes de l’hégémonie et les conséquences des histoires coloniales. En examinant des différentes études de cas dans les contextes africains, américains, asiatiques, européens et océaniens, il devient évident que la création et l’engagement artistiques et intellectuels appartiennent aux mobilités de la mondialité. Mettant en avant les interdépendances entre les repositionnements décrits et l'histoire de l'art, on comprend la nécessité de reconnaître dans l'analyse en histoire de l'art les chemins de traverse, les désorientations, le fragmentaire et les déracinements - ici et maintenant, ici et ailleurs.

The thoroughly original French sculpture of the 18th and 19th centuries has so far too often been discussed only in the context of an illustrated history of mentality, thereby failing to recognize its independence. Certainly, the weighty assessment of Erwin Panofsky, who attested to a lack of innovative spirit in funerary sculpture after Bernini, also contributed to this. This volume seeks to explore the “spaces of possibilities” that contribute to a deeper understanding of memorial culture and its transformations, and argues to overcome the rigid division into pre- and post-revolutionary art. In addition to the spaces of the monument, which were subject of a transition around 1800 due to the change of the burial site, the contributions perspective the different public spheres of these transformations, they ask about the innovative power of the “enlightened” (grave) monument and its new and resilient functions.

La sculpture française des XVIIIe et XIXe siècles, qui était en tout cas originale, n’a jusqu’à présent trop souvent été abordée que dans le cadre d’une histoire illustrée des mentalités, ne reconnaissant ainsi pas son indépendance. Certes, l’évaluation pesante d'Erwin Panofsky, qui avait attesté d’un manque d’esprit novateur dans la sculpture funéraire après Bernin, y a également contribué. Le présent volume se propose au contraire d’explorer les « espaces de possibles » permettant une meilleure compréhension de la culture du monument funéraire et de ses transformations ; il plaide ce faisant pour un dépassement de la stricte démarcation entre art pré- et postrévolutionnaire. Outre les espaces du monument, métamorphosés sous l’effet du changement de lieu des sépultures au tournant du XIXe siècle, les articles ici réunis interrogent les différentes sphères publiques de ces mutations, la puissance d’innovation du monument (funéraire) « éclairé », hérité des Lumières ou encore les nouvelles fonctions de résilience qui lui sont attribuées.

Malgré ses six années d’existence, le royaume de Westphalie dirigé par le plus jeune des Napoléonides Jérôme Bonaparte (1784-1860), surnommé le « König Lustik », apparaît comme un exemple paradigmatique des transferts artistiques et culturels entre la France et l’Allemagne. Les textes réunis dans le présent volume explorent les modèles et influences françaises de même que les tendances locales à l’assimilation ou à la modification de la vie culturelle multiforme de la capitale westphalienne et de ses provinces. Étayée par une sélection d'archives conservée en Allemagne et en France traitant de la thématique de « l'art et de la culture sous le roi Jérôme Napoléon », cette étude aspire à fournir une base essentielle pour l'exploration précise de la relation entre centre et périphérie dans l'Europe napoléonienne.

The research field of prehistory and modernity is very topical in both French as well as German art history, though the traditions differ. In view of this historical situation, the conference’s goal (German Center for the History of Art Paris, 2017) was to raise awareness and initiate a dialog, which opened up new perspectives for all participants and generated innovative research. Prehistory, or primeval times, leads back to fundamental art historical questions: When did abstraction begin? What specific qualities of prehistoric artefacts contributed to solutions to artistic problems of the European avant-gardists like Picasso, Miró, Baumeister, Giacometti or Bataille? What is characteristic of prehistoric art as compared to other arts premiers? Work-related questions stood at the center of the discussions and revealed interdisciplinary connections and opened debates intended to inspire further research.

Animé par l’augmentation des flux migratoires au cours du 20e siècle, le surréalisme s’est développé en un mouvement artistique unique – et à bien des égards « pionnier » – dont l'influence fut mondiale. Cette anthologie analyse pour la première fois les rôles qu’ont joués les artistes, les marchands d’art, les collectionneurs et les musées au sein des réseaux fondateurs du surréalisme en Europe, hissant ce dernier au rang des courants avant-gardistes du 20e siècle. Cet ouvrage présente 20 essais sur les différents acteurs du marché de l’art, du surréalisme et sur leurs interactions dans l’Europe de 1924 à 1969.

This volume brings the complex networks that fostered and sustained surrealism in North America into academic focus. Who — among collectors, critics, dealers, galleries, and other kinds of mediating agents — supported the artists in the surrealist orbit, in what ways, and why? What more can be learned about highprofile collectors such as the de Menils in Houston or Peggy Guggenheim in New York? Compared to their peers in Europe, did artists in the United States use similarly spectacular strategies of publicity and mediation? In what networks did the commercial galleries operate, locally and internationally, and how did they dialogue with museums? This book offers an innovative and lasting contribution to research and scholarship on the history of art in America, while focusing specifically on the expansion and reception of surrealism in the United States.

The volume sheds new light on the Parisian art world after the Second World War, its protagonists, inter(national) dimensions and aesthetic challenges. It assembles a selection of contributions of the annual congress 2014/15 held at the German Center for Art History Paris as well as  further results of research undertaken during that same year. Besides questions of historiography the publication focuses on case studies in which renowned artists like Giacometti, Picasso and Brassaï are analized. Furthermore, new protagonists, institutions and media are introduced and innovative perspectives developed. The volume thus makes a valuable contribution to the reevaluation of art of the postwar period.

The volume presented here examines the influence of one of the most splendidly representative achievements of the early modern period upon the European courts of the 17^th and 18^th centuries.  The Palace of Versailles was a showroom which made French luxury items known, and desired, far beyond the borders of France, drawing the attention of all regents of the time, and although numerous forms and ideas were borrowed by the artists and craftsmen who settled in the various European courts, the persistence of local traditions should not be under-estimated.

Starting with an analysis of the form and function of the Versailles apartments, the French model is considered for its influence upon the concept of the apartment at other European courts.  The contributions to this volume analyse the interplay between architecture, décor and ceremony and the particular importance of the apartments for the representation of the court. The arrangement of the rooms is shown to be a complex referral system that decided the presentation of power and accessibility to the regent.  The rationale of the interior design is only revealed through an interdisciplinary examination which also takes into consideration the social and political/historical conditions.  Already existing traditions of the European houses were transferred and adapted, and therefore newly configured, as part of this process.

The first part of the volume concentrates on the model of the apartment developed in France and attempts an understanding of the complex development in Versailles up to 1701, within which the Chambre de Parade became the centrepiece of the Palace.  The second part contains case studies of residences in the German-speaking countries and examines the complex exchange and variety of the heterogeneous solutions.  The study concludes with contributions about various important European courts in England, Holland, Sweden, Poland, Spain and Italy.

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Le présent volume trouve son origine dans un projet aussi légitime qu’attendu : étudier l’influence sur les autres cours européennes de celle qui fut la plus brillante d’entre elles. Le château de Versailles, « showroom » étincelant contribuant à l’exportation des biens luxueux de la culture française hors des frontières, était au centre de tous les regards européens. Si des artistes et artisans français partis s’installer dans les pays germanophones empruntèrent nombre de ses formes et idées, sous-estimer la persistance des traditions locales serait néanmoins une erreur.

Analysant la forme et la fonction de l’appartement royal du château de Versailles, cet ouvrage examine sa portée en tant que modèle de référence pour les conceptions ultérieures d’appartements princiers en Europe. Le livre rassemble des travaux relatifs à l’architecture, à la décoration et au cérémonial des appartements des résidences royales et princières en Europe. L’accent est mis sur leur rôle spécifique dans le cérémonial de la cour. Dans cette perspective, l’effet conjoint de la disposition spatiale, de l’architecture et de la décoration apparaît comme un facteur complexe, influençant de manière considérable la mise en scène du pouvoir monarchique, la fonction de représentation du souverain et son accessibilité. C’est l’articulation interdisciplinaire des différents types de savoir qui permet de comprendre la logique d’aménagement des appartements des cours européennes, ainsi que leur usage et l’étiquette qui les gouvernait. Les traditions préexistantes des maisons européennes se voient repositionnées dans ce processus.

La première partie de cet ouvrage se concentre sur les appartements officiels français, qui, en tant que principal lieu à la mode au XVIIIe siècle, disposaient d’un important pouvoir d’attraction. Les premières contributions s’attachent surtout à présenter l’évolution complexe de l’appartement officiel du château de Versailles, des origines jusqu’en 1701, lorsque la chambre de parade devient le cœur architectural du château. La deuxième partie de l’ouvrage se consacre aux résidences du Saint Empire romain germanique. Le champ d’investigation s’étend enfin aux principales cours de Grande-Bretagne, des Pays-Bas, de Suède, de Pologne, d’Espagne et d’Italie. Les exemples analysés donnent un aperçu des échanges complexes et hétérogènes entre les cours européennes.